Uno de los discos que he empezado a valorar en los últimos días es Broken Bells, placa del homónimo dúo formado por el versátil Danger Mouse y James Mercer, vocalista de The Shins. Paradójicamente el tema con el cual han partido promocionando el disco, que saldrá a la luz el próximo 9 de Marzo, es el que menos me gusta de la placa: The High Road. No tiene la fuerza, el carisma, la creatividad y el sonido como Mongrel Heart o The Mall and Misery, y creo que la mayoría que han escuchado el disco se encuentran juzgando de la misma manera la elección del dúo.

Fuera de subjetividades del autor de este blog no me queda más que presentarles el video de The High Road, pero sea precavido, no se deje guiar por este tema en particular, pues lo que esconde el disco está infinitamente plagado de placeres que hace tiempo se estaban perdiendo en la música (y es algo que nunca creí decir de Danger Mouse…).

Disfruten.

Recuerdo no haber sido muy generoso a la hora de criticar (link 1 – link 2) el último disco de Air, Love 2, hace un tiempo atrás. La verdad dicha sea de paso, mi gusto ha ido cambiando con el tiempo y siento un apego más fuerte a este trabajo de Dunckel / Godin.

So Light is Her Footfall es uno de los temas más atractivos de Love2, una pieza realmente muy bella y que con este interesante video en blanco y negro, con un maravilloso juego de sombras y contrastes, logra emocionar de manera única. Un gran acierto de Air, que poco a poco está recuperando en mí ese amor por el dúo que se perdió después del incomprendido 10,000 Hz Legend.

Disfruten

Las famosas listas han llegado… los Super45 nos hemos tomado muy en serio este año para definir nuestra lista de favoritos, la cual al final ha terminado derivando en una abierta discrepancia dentro del mismo grupo, tratando de concensuar opiniones. Esta vez debo decir que en absoluto NO me siento representado por la lista oficial de S45, pero estas discrepancia con el grupo es lo que hace rico formar parte de él. En todo caso, no me siento dueño de la verdad, pero mi número 1 es un precedente de la música de nuestra época, es un disco que hace historia e influenciará, como la hecho hasta ahora, a la música de la siguiente década. La trascendencia es una implicancia de la calidad y sólo albumes trascendentes merecen ser número uno, y esta es mi lista…

1. Animal Collective – Merriweather Post Pavillion (Domino). Sin lugar a dudas el fenómeno artístico de esta temporada. Mucho antes del lanzamiento de éste, su sexto disco oficial, se estaba proclamando acertadamente a Merriweather… como uno de las obras fundamentales del último tiempo, en donde el trío de Baltimore logra llevar su incesante juego experimental a un nivel más accesible, con ambientes llenos de psicodelia y caos, envueltos en una armónica perfección.

2. Grizzly Bear – Veckatimest (Warp). La música ha cambiado, hoy se enfrenta con discos tan prolijos y bellos como Veckatimest, tercer larga duración de este grupo de Brooklyn, en donde el folk se confabula con la experimentación con una acertada coherencia estilística, creando una obra epopéyica llena de parajes irreales y melodías imperecederas, que transforman desde ya a este disco en un clásico de la música.

3. Fuck Buttons – Tarot Sport (ATP). Tarot Sport se convierte en una pieza fundamental del ruido de nuestros tiempos. Una enseñanza de cómo confabular las piezas para entregar emociones constantes bajo argumentos simples, certeros y a la vez perturbadores. Si Tortoise fue capaz de crear una referencia antagónica e inteligente en la música en los ‘90, Fuck Buttons nos está invitando a un futuro tanto más prometedor.

4. Fever Ray – Fever Ray (Mute/Rabid). Karin Dreijer Andersson lleva años sorprendiendo el circuito musical. Su último proyecto solista la lleva a un mundo de fantasía, bastante alejado de su reconocido dúo The Knife, donde el juego por lo tribal y sombrío del ser humano es amenizado por esa voz andrógina que sólo ella ha sabido llevar a un punto donde nadie se le puede comparar. Piezas tan espectrales y armoniosas hipnotizan, encantan y cautivan en un disco imprescindible de la temporada.

5. The XX – XX (Young Turks). Lo que ha hecho The XX es una obra alucinante de comienzo a fin, en un monólogo sonoro que rememora piezas añejas de la música logran cautivar por la simpleza de sus instrumentos e interpretación. Cada pieza es una obra aparte, con matices tan estructurados que a veces no es necesario el uso de todos los instrumentos para concebir una obra tan simple y certera como ésta, atributos que la hacen completamente indispensable.

6. Mono – Hymn to the Inmortal Wind (Temporary Residence). El post-rock vive una crisis creativa de años, pero Mono se transforma en el exponente que revitaliza el género con una obra que vuelca la composición y ejecución hacia el auditor para su pleno goce y ha procedido a dar un salto en su carrera y de una manera inteligente superar su propio techo y crear una de las obras más bellas y complejas que el post-rock haya producido en los últimos años.

7. Deerhunter – Rainwater Cassette Exchange EP (Kranky). Bradford Cox es uno de los genios musicales de nuestra época. Un incomprendido, un alma que juega con sus oyentes cada vez que entrega una nueva pieza de sus proyectos y va dejando una esencia que necesita ser complementada en la siguiente. Rainwater… confirma la tendencia art-pop ya desarrollada por este genio, explorarando en profundo -y en no más de 15 minutos- pasajes llenos de nostalgia y evocaciones profundas.

8. Atlas Sound – Logos (Kranky). Nuevamente Bradford Cox, y es que para nadie es un misterio mi admiración por este genio. Atlas Sound explora una experiencia más íntima de Cox, más ensoñadora y sutil que Deerhunter, donde demuestra la versatilidad y obsesión de este compositor por crear una obra que se acerque a la perfección sonora. Es así que la colaboración de Laetitia Saedler (Stereolab) es esencial para una de las piezas fundamentales de este año, Quick Canal.

9. Bear in Heaven – Beast Rest Forth Mouth (Hometapes). De seguro muchos le pasarán por alto, pero Beast Rest Forth Mouth es tan inmediato que se hace difícil ignorarlo y merece toda la atención de cualquier amante de la música. Estos americanos logran desmarcarse de su disco debut y terminan generando un generosa paleta de sonidos que exploran la psicodelia de los ‘70, el new wave e incluso el disco, gozando de un sonido que muy pocos discos de esta temporada pudieron alcanzar.

10. Health – Get Color (Lovepump United). El éxito del tema Die Slow significó el acercamiento del público hacia el segundo disco de Health. Este disco de noise-experimental americano satisface a cabalidad todas las pretenciones de esta banda al realizar una obra contundente y sin bajón alguno, en donde las guitarras y matices de sintetizadores llenan de potencia y desenfreno sin pausa al oyente invitándolo, cómo no, a bailar.

11. The Flaming Lips – Embryonic (WEA/Reprise). El fenómeno de Flaming Lips es extraño, odiado o amado, pero nunca el término medio. Si cada vez son más incomprendidos, con este nuevo disco es imposible llegar a acuerdo. El experimento es una obra de arte de psicodelia pura de los años 60, pero con aires tan frescos que lo transforman en una obra compleja y delicada de digerir, pero tan contundente, que merece el reconocimiento de estar en cualquier lista de fin de año.

12. Dirty-Projectors – Bitte Orca (Domino). El colectivo de Brooklyn es una de las grandes revelaciones de este año al confabular uno de los discos más sabrosos de la temporada, donde el genio de Dave Longstreth mezcla sonidos a su antojo, con inteligencia y la vez sin miedos a la experimentación, creando llaves llenas de pop, folk y psicodelía que son inmersas por las estupendas voces de Amber Cofman y Angel Duradiris.

13. Sunset Rubdown – Dragonslayer (Jagjaguwar). Spencer Krug es otra de las mentes brillantes de nuestro tiempo, inspirado, sin encasillamiento, que no sigue un patrón fijo, con múltiples proyectos paralelos y que en Dragonslayer desborda creatividad sin reparos y a pesar de carecer de ciertos elementos tan apetecidos en él, el refinamiento de su recursos expresivos hacen de ésta una obra que no envidia en absoluto el complejo de sonidos de sus antecesores.

14. Tortoise – Beacons of Ancestorship (Thrill Jockey). Después de años de silencio y lejos de la autocomplacencia que podría encontrarse en una banda con más de 15 años de experiencia, Tortoise genera una de las obras más destacadas de su catálogo, donde fueron recuperados los elementos distintivos del pasado y direccionados estratégicamente, pero con el sello único de una vieja máquina que sabe enfrentar el futuro y lo hace redescubriéndose a sí misma.

15. Sonic Youth – The Eternal (Matador). Sus casi 30 años de trayectoria hacen del cuarteto neoyorkino una de las bandas fundamentales de la industria. Y sobreviviendo a los cambios, fieles a su estilo, presentan hoy su decimosexta placa, sin duda la más directa de los últimos años, entregando un reencuentro agradable a sus orígenes, donde SY vuelve a poseer esa libertad creativa diseñando un complejo set de atmósferas disonantes, donde los límites de rock no existen.

16. The Fiery Furnaces – I’m Going Away (Thrill Jockey). Los hermanos Friedberger han desarrollado una carrera llena de libertades produciendo un exquisito abanico de estilos que ya quisiera poseer cualquier banda. Esta vez generan una obra que se engalana por su simpleza, pero que lleva oculta debajo de sus ropas el intrincado mundo por el cual The Fiery Furnaces ha deambulado por años. Un juego evocador y ensoñador, que convierte a esta placa en un destello más de su abultada discografía.

17. Oh No Ono – Eggs (Morningside Records). Este quinteto danés es una de las sorpresas musicales más agradables de esta temporada. Cada uno de sus integrantes posee singulares gustos musicales y que de manera acertada confluyen en un disco lleno de variados matices y elaborados arreglos musicales. No es de extrañar sentir que Supertramp, ELO, u otra olvidada banda, han sido llevados a la actualidad, de una manera fascinante e intrigantemente inteligente.

18. Mayer Hawthorne – A Strange Arrangement (Stones Throw). El disco debut de este oriundo de Michigan es un abanico de texturas de medio siglo atrás, una especie de revival de Motown, pero con aires tan contemporáneos que hacen de este disco una joya llena de sorpresas. Sus canciones de amor/desamor están texturizadas tanto por los complejos musicales que le acompañan como por la cálida y emotiva voz de un Mayer que no deja indiferente a ningún amante de la buena música.

19. Royksopp – Junior (Astralwerks). Muy distintos a Melody A.M., que sigue siendo lo mejor del dúo sin lugar a dudas, estos noruegos han demostrado que están haciendo las cosas muy bien. Junior es una obra luminosa y menos densa que su predecesor, juega mágicamente con las voces de sus artistas invitados y han logrado sacar a Karin Dreijer Andersson de ese toque oscuro que la caracteriza y la han transformado en una diva luminosa, algo que no cualquiera podría hacer.

20. Neon Indian – Psychic Chasms (Lefse Records). Manejando tendencias de índole dream-pop, electrónica, con rasgos de psicodelia, N.I. produce un innovativo, atractivo y altamente accesible disco para un público ávido de buenos ritmos. Lo que mejor funciona en él es la manera en que crean bellas y armoniosas tonalidades, partiendo de elementos básicos, manejando abundantes pistas y que son mezclados inteligentemente, creando una percepción agradable de cada composición.

Foto por ryan muir

Esta es una época de retrospecciones. Nos acostumbramos a los análisis exhaustivos de los cambios, reinvenciones y resurgimientos que esta década nos ha traído en materia musical. Hablamos de la influencia de bandas como Panda Bear, Radiohead, Sufjan Stevens y Arcade Fire, pero en algo estamos errando: no reparar en el futuro. La nueva década que se avecina, a pesar de ser una división numérica de nuestro calendario, debe marcar algún cambio en el complejo escenario musical.

Esas sutilezas a veces no son notorias, pero este año ha venido marcado por ciertas corrientes que llevaron la música un paso por delante de lo conocido. Discos como Merriweather Post Pavillion de Animal Collective y Veckatimest de Grizzly Bear son muestras inequívocas de las virtudes de mentes inquietas que se han atrevido a delinear nuevos patrones. Bajo ese mismo contexto y proyección se puede delimitar el nuevo trabajo de los ingleses Fuck Buttons.

A poco más de un año de su bien recibido primer disco, Street Horrrsing, este dúo inglés plantea un nuevo horizonte en su música. Si bien la arquitectura de su inventiva está altamente ligada a su debut, existen detalles que muestran cierta tendencia hacia la exploración musical y genera ciertos espacios de amplitud. Tarot Sport se expresa bajo un diseño más simple y menos pretencioso. Los sonidos siguen siendo saturadores y envolventes, la máquina de sintetizadores predominan el ambiente e inundan los oídos bajo un bizarro pero melódico concepto musical.

El disco, conformado por 7 composiciones, se puede dividir en tres piezas fundamentales, las cuales representan un estado de ánimo totalmente distinto, pero que encaja a la perfección en la medida que los sonidos lineales y repetitivos se mueven y convergen hacia el siguiente estado. “Surf solar” se convierte en la introducción perfecta de una máquina que recuerda un el inicio de un tormentoso viaje espacial. El tema posee bases tan armoniosas como perturbadoras y recoge emociones que pueden llevar a una catarsis colectiva.

El punto de partida es demasiado elevado y teóricamente es difícil de mantener la esencia con el paso de los minutos, pero el trance industrial de “Rough steez” es tan efectivo que acondiciona perfectamente el estado grandilocuente de los indivisibles “The lisbon maru” y “Olympians” que suenan a continuación. “Olympians” condiciona al auditor a presenciar el clímax de una obra sublime, épica e irrepetible, que acelera con una deliberada exactitud. “Flight of the feathered serpent” es el epílogo perfecto del disco, que bajo el efecto contundente de unas percusiones tribales se sumerge en las virtudes de sus antecesores para transformar el disco en una celebración a la vida en las cuales todos están invitados a compartir y, por qué no, bailar.

Tarot Sport se convierte en una pieza fundamental del ruido de nuestros tiempos. Una enseñanza de cómo confabular las piezas para entregar emociones constantes bajo argumentos simples, certeros y a la vez perturbadores. Si Tortoise fue capaz de crear una referencia antagónica e inteligente en la música en los ‘90, Fuck Buttons nos está invitando a un futuro tanto más prometedor. En 10 años más de seguro se estará hablando de esto.

Este es el nuevo sencillo del excelente disco I’m Going Away de The Fiery Furnaces , placa que seguramente estará en mi lista de favoritos de este año que ya termina.

Even in the Rain es un tema simple pero con un juego evocador y ensoñador, el cual es complementado con un gracioso video musical, que parodia a Peter Fonda y Dennis Hopper cuando decidieron grabar Easy Rider de 1969.

Disfruten.

El hype está de vuelta señores.

Ambling Alp es el primer single del ya esperado segundo larga duración de Yeasayer: Odd Blood. El tema ha despertado el apetito de un número no menor de melómanos que ya han definido a esta placa como uno de los discos más esperados para el próximo 2010, y demuestra en cierta medida un grado de evolución con respecto a su trabajo anterior, lo cual podrá ser ratificado el próximo 3 de Febrero cuando el disco salga oficialmente editado.

Por mientras podemos disfrutar de este single que entrega ciertos elementos que rememoran en primera instancia a Animal Collective, pero prontamente se estructura en la línea de trabajo de estos músicos de Brooklyn, pero logrando trabajar en base a un conjunto de ritmos armoniosos que lo transforman en un tema profundamente pegajoso. Además se encuentra acompañado por un video promocional, el cual trae en sí una tendencia poco novedosa a estas alturas al recurrir a metáforas visuales poco entendibles pero con gente totalmente desnuda muy al estilo de “Watching the Planets” de los Flaming Lips.

Sólo queda juzguen ustedes si este es un lanzamiento que merezca la pena esperar tan ansiosamente. Al parecer la respuesta va por un sí.

La industria musical es una máquina a la que muy pocas agrupaciones se pueden vanagloriar de satisfacer de manera acertada y continua. Existen muchos ejemplos de bandas devoradas por ella, al punto de que resulta imposible entregarles cierta justicia a sus logros pasajeros sin entrar en las descalificaciones por sus errores. Consciente o no, todo buen grupo busca encontrar el camino más adecuado para lograr el equilibrio entre su público, el medio y ellos mismos, pero la mayoría quedan estancados en las fórmulas que exploraron en sus primeras incursiones en este circo. Otras, en cambio, trabajan constantemente en nuevas ecuaciones que les permitan expresar su música bajo una arquitectura distinta, pero construidas en coherencia con la concepción y argumentación inicial de la banda.

In This Light And On This Evening es una apuesta que apunta hacia el segundo punto de este argumento. Los ingleses Editors reconocen las limitaciones que su música tiene, más allá de los reconocibles puntos de referencia que poseen. Tom Smith, principal compositor del grupo, admitió que realizar un tercer disco bajo la misma línea musical de The Back Room (2005) y An End Has a Start(2007) implicaría el fin de la banda antes de lo pensado. Pero la ambición por el cambio puede resultar placentera o terminar en un desagrado y esta tercera placa se mueve entre los dos extremos.

Con “In this light and on this evening”, tema que le da el nombre al disco, se vislumbran los primeros cambios aplicados por los ingleses para enfrentar esta nueva propuesta. Es reconocible el aspecto sombrío que han posicionado como propio en sus anteriores trabajos, pero la mecánica es totalmente disímil: posicionar los sintetizadores como fuente de ambientación por sobre los riffs y percusiones tan característicos de su sonido. Es un inicio prometedor y el manejo más “electrónico” amplía las posibilidades de su música, haciéndola más dinámica y texturada que la de sus inicios. Pero, a su vez, sobrecoge lo notorio de las influencias de Depeche Mode, New Order, Tubeway Army o Kraftwerk, lo que provoca cierto recelo por la falta de originalidad que se esconde por detrás.

“Bricks and mortar” es el tema que más se acerca al de los discos anteriores, donde la voz es el instrumento más emotivo y característico. Pero escuchar “Papillon”, primer single del disco, demuestra la aproximación hacia el arquetipo musical de los ‘80, donde el sello vocal definitivamente desaparece. De ahí en adelante el disco se diluye sin consistencia alguna y sólo es rescatado por “The boxer”, el mejor tema de la placa, una composición simple pero altamente seductora y misteriosa. Finalmente “Eat raw meat = Blood drool” devuelve a los ingleses a las anteriores influencias, pero esta vez las disimulan de manera efectiva hasta convertirla en una pieza original.

In This Light… genera ciertas suspicacias, pero la fórmula aplicada permite comprender la necesidad de los ingleses por no encerrarse bajo un patrón que les impida un mayor desarrollo. Muchos parajes del disco demuestran que la elección fue la correcta, pero, en otros, que es necesaria otra intervención para llevar al grupo hacia otro estado más propio a su naturaleza. Lejos de la contundencia de su debut, y menos accesibles que en la segunda placa, de seguro los de Birmingham seguirán buscando la fórmula de satisfacer a su público, al medio y ellos mismos. Por ahora, debiesen quedar tranquilos.

Dejando fanatismos aparte. Seamos sinceros. Merriweather Post Pavillion se ha transformado en la joya de la música de nuestros tiempos y es sin duda uno de los órganos precursores de la manera en que en un futuro cercano la estaremos entendiendo. Es difícil abstraerse de un fenómeno así, provistos de tantos atributos claves que produjeron un disco tan lleno de caos y parajes abstractos, pero a su vez tan perfectos y armoniosos, que cualquier incrédulo terminará rindiéndose a su favor.

Mientras de a poco nos enterábamos del próximo lanzamiento del futuro EP de Animal Collective, éstos nos han bombardeado con el video promocional de In the Flowers, tema que da inicio a Merriweather…

El video lleno de imágenes tan abstractas como el tema se presenta como una obra totalmente “art”, y que reúne todas las cualidades y similitudes de videos anteriores. Ya extrañaba que un tema tan notable como In the Flowers no tuviera oficialmente su video. Pues acá está, para su disfrute.

Simian Mobile Disco puede buscar todas las justificaciones plausibles para defender su poco meritorio disco debut, Attack, Decay, Sustain, Release (2007). La verdad sea dicha -en términos bastante subjetivos por cierto-: tras dejar su gran proyecto experimental Simian, el disco que realizaran James Ford y James Shaw carecía de profundidad, caía en lo repetitivo y no conseguía más que un tímido paso por la pista de baile. Algo muy desafortunado para un dúo que se profanaba por crear un material completamente identificado con la Intelligent Dance Music, pero que estaba lejos de ello.

Alejados de la soberbia de su debut, en Temporary Pleasure reconocen y enfrentan sus propios errores, transformando su máquina musical en un híbrido que busca acercarse a las propuestas de consagrados como Röyksopp o Chemical Brothers. Para ello recurren a la colaboración de notables voces de la música actual -Griff Rhys (Super Furry Animals), Alexis Taylor (Hot Chip) y Jamie Lidell, entre otros- pero los errores se confabulan tempranamente. Resulta notorio el desbalance entre la vocalización y musicalización, el mismo que debe servir como plataforma para la entrega de emociones, más allá del contexto lírico. Ese error es una extrapolación de la falta de profundidad en los temas instrumentales, lo que deriva en un resultado menos que tibio.

Lo que sí se debe reconocer a los productores ingleses es su intento por redescubrir sus capacidades bajo plataformas musicales distintas, creando un abanico más amplio y limpio que lo presentado en su disco debut. Pero SMD sigue en deuda: como Simian fueron absolutamente mejores, y eso se extraña.

El título lo dice todo, no hay más que decir, hoy se confirma la venida de Justice a Chile para el próximo 7 de Diciembre. Y posiblemente, en realidad es casi un hecho, que no vendrán solos. Saquen las cuentas quién puede venir también y compartir escenario. Por mi lado no puedo decirlo, pero estoy demasiado emocionado.