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Escrito para Super45

Esta es una época de retrospecciones. Nos acostumbramos a los análisis exhaustivos de los cambios, reinvenciones y resurgimientos que esta década nos ha traído en materia musical. Hablamos de la influencia de bandas como Panda Bear, Radiohead, Sufjan Stevens y Arcade Fire, pero en algo estamos errando: no reparar en el futuro. La nueva década que se avecina, a pesar de ser una división numérica de nuestro calendario, debe marcar algún cambio en el complejo escenario musical.

Esas sutilezas a veces no son notorias, pero este año ha venido marcado por ciertas corrientes que llevaron la música un paso por delante de lo conocido. Discos como Merriweather Post Pavillion de Animal Collective y Veckatimest de Grizzly Bear son muestras inequívocas de las virtudes de mentes inquietas que se han atrevido a delinear nuevos patrones. Bajo ese mismo contexto y proyección se puede delimitar el nuevo trabajo de los ingleses Fuck Buttons.

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La industria musical es una máquina a la que muy pocas agrupaciones se pueden vanagloriar de satisfacer de manera acertada y continua. Existen muchos ejemplos de bandas devoradas por ella, al punto de que resulta imposible entregarles cierta justicia a sus logros pasajeros sin entrar en las descalificaciones por sus errores. Consciente o no, todo buen grupo busca encontrar el camino más adecuado para lograr el equilibrio entre su público, el medio y ellos mismos, pero la mayoría quedan estancados en las fórmulas que exploraron en sus primeras incursiones en este circo. Otras, en cambio, trabajan constantemente en nuevas ecuaciones que les permitan expresar su música bajo una arquitectura distinta, pero construidas en coherencia con la concepción y argumentación inicial de la banda.

In This Light And On This Evening es una apuesta que apunta hacia el segundo punto de este argumento. Los ingleses Editors reconocen las limitaciones que su música tiene, más allá de los reconocibles puntos de referencia que poseen. Tom Smith, principal compositor del grupo, admitió que realizar un tercer disco bajo la misma línea musical de The Back Room (2005) y An End Has a Start(2007) implicaría el fin de la banda antes de lo pensado. Pero la ambición por el cambio puede resultar placentera o terminar en un desagrado y esta tercera placa se mueve entre los dos extremos.

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Simian Mobile Disco puede buscar todas las justificaciones plausibles para defender su poco meritorio disco debut, Attack, Decay, Sustain, Release (2007). La verdad sea dicha -en términos bastante subjetivos por cierto-: tras dejar su gran proyecto experimental Simian, el disco que realizaran James Ford y James Shaw carecía de profundidad, caía en lo repetitivo y no conseguía más que un tímido paso por la pista de baile. Algo muy desafortunado para un dúo que se profanaba por crear un material completamente identificado con la Intelligent Dance Music, pero que estaba lejos de ello.

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“Six Organs of Admittance es el jardín y yo soy el gusano que se come la lechuga”. Devendra Banhart no podía encontrar una mejor manera de expresar la relevancia que el virtuoso guitarrista Ben Chasny tiene en la escena musical norteamericana, anónimo desarrollador de un inteligente folk revival y cuya influencia se ha hecho sentir en figuras como el mismo Banhart, Animal Collective o Grizzly Bear y le ha valido su incorporación a bandas tan llamativas como Comets in Fire y colaboraciones con otras como Current 93 o Magik Markers.

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Los más de 10 años de carrera musical del dúo francés Air han sido un tema siempre difícil de resolver para los medios. Su notable contribución a la escena electrónica mundial no despierta mayores cuestionamientos a estas alturas: el fondo radica en la manera que Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel han desarrollado un sello único e inconfundible, de una manera que su propuesta apunta siempre al sonido de las máquinas y no a lo esencialmente humano de la música.

Muy por el contrario a la vía de desahogo creativo que representan sus coterráneos de Daft Punk, Air siempre ha dejado abierta su propuesta a los cambios y, por ende, a la dicotomía amor/odio. El éxito de Moon Safari (1998) no sólo inscribió en la historia su mejor trabajo hasta la fecha, sino que sentó las bases de un sonido elegante que terminó encantando a toda una generación. Pero la subjetividad de la crítica se empecinó – temprana e injustificadamente- contra un 10,000 Hz Legend (2001) que proveía un abanico completo de elementos exquisitos, los más complejos e interesantes que se esconden detrás del genio de los franceses.

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Escrito para Super45

Spencer Krug pertenece a una generación que entiende cabalmente que la música es un proceso creativo en expansión constante, abierto e ilimitado, que no es necesario encerrar bajo normas concretas ni autoimpuestas. ¿Cuántas mentes brillantes del rock han sentido la necesidad de comulgar con un discurso único y/o lineal que no contravenga a las necesidades de expresión que el mismo artista se impuso sin plena conciencia?. Ciertamente la mayoría. Sin embargo figuras como Bradford Cox (Deerhunter, Atlas Sound) o Alex Turner (Arctic Monkeys, The Last Shadow Puppets), por nombrar algunos, comprenden este dilema creativo y erigen agrupaciones, ya sea solistas o bajo la compañía de otros músicos con las mismas necesidades, que les permiten, bajo otro envoltorio pero con un alma única y distinguible, expresar ciertas motivaciones sin ofender el desarrollo de sus otros proyectos, transformándolos en un complemento necesario para comprender mentes que divagan constantemente.

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